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The conductor William Christie and his ensemble, Les Arts Florissants, perform the score with a courtly edge that enhances the power (and vengefulness) of Stéphanie d’Oustrac’s take on the goddess Cybèle. And Christie’s players likewise lend a glow to the lovestruck (or mad) exultations present in Bernard Richter’s portrayal of the title character. © 2023 The New York Times Read complete review

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Opera News 10 Best in Opera 2022: #9

Still fresh and still revelatory. © 2023 Opera News

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Bernard Richter—whom I just praised in the previous issue as the best member in the cast of a video release of Mozart’s La finta giardiniera—despite not being a true haute contre tenor, is a superb Atys on his own terms, elegantly poised in classical grace and yet fully able to convey the anguished passion of his character. … The supporting cast is uniformly excellent; one of course particularly notes the names of veteran Baroque tenor Paul Agnew and then up-and-coming future star Cyril Auvity. And it hardly need be said that William Christie is a complete and authoritative master of French Baroque style, eliciting singing and playing of great polish and beauty from his choral and orchestral forces.

Enthusiastically recommended. © 2022 Fanfare Read complete review

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Several formal elements are beautifully realized, both visually and sonically. Sangaride’s lament “Atys est trop heureux” presents a bass line that descends in obsessive repetition, and Emmanuelle de Negri’s consistently lyrical vocalism heightens the effect of her measured retreat across the stage.

Nicolas Rivenq brings poignancy to the role of the rejected Célénus, and Cyril Auvity’s Morpheus sounds tender and poised. © 2022 Opera News Read complete review

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The production that kick-started the French Baroque revival is back in style.

Heading the cast is Bernard Richter, a glamorous and ardent Atys, his glossy tenor leaning towards the heroic but with a nice line in languishing lover. Emmanuele De Negri’s lyrical soprano is ravishing and there’s a compellingly human side to her troubled Sangaride. Stéphanie d’Oustrac is a magnetic mix of ice and fire as the deliciously dangerous Cybèle, making her the perfect foil for Nicolas Rivenq’s noble-toned, autocratic Célénus.

Christie, his orchestra and chorus are on top form, if anything even crisper and more dramatically alert than on their famous 1987 recording. François Rousillon’s well-crafted video direction captures everything to a tee and the recorded sound is rich and full. © 2022 Limelight Read complete review

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An unmissable demonstration of great French opera in a simply beautiful production

The music is of the uttermost beauty, and the performance melts the heart.

D’Oustrac’s assumption of the role of Cybèle is wonderful.

Nicolas Rivenq is a superbly strong and confident Célénus here. © 2022 Classical Explorer Read complete review

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If you prefer a tragedy in sumptuous period frocks, Lully’s Atys has been reissued in a remount of the famous production that kick-started the French Baroque stage revival back in 1986. …self-recommending. © 2021 Limelight

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Christie was able to assemble an excellent ensemble of singers and instrumentalists from a new generation of performers, who are themselves now at the forefront of baroque performance in France. Fortunately, the passion of this one patron allowed the recreation to take place and its preservation for the future through François Roussillon’s elegant video production. © 2022 American Record Guide Read complete review on American Record Guide

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A powerful and princely production worth the wait… Under Villégier’s elegantly restrained direction, these excellent singer-actors tread a fine line between sincerity and send-up… The sumptuous realm of ke roi soleil is here brilliantly evoked. © 2021 BBC Music Magazine

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Buffalo-born conductor William Christie and his renowned period-instrument ensemble Les Arts Florissants helped transform baroque opera into a goldmine with their 1989 tour of a sumptuous production of Jean-Baptiste Lully’s 1676 “tragedy with music,” a five-act behemoth highlighted by sensitive playing and wondrous singing. More than 20 years later, Christie and his ensemble returned to Paris to revive the opera, with much the same musical and dramatic result. There’s first-rate hi-def video and audio. © 2021 The Flip Side

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By the time he began work on Atys in 1676, Jean-Baptiste Lully had established himself as the leading French opera composer of the seventeenth century.

Born in Florence in 1632, he found himself, at the age of 13, in France helping to perfect the Italian language for one of the lesser members of the Royal family. It was a position that he turned to his advantage by spending time studying all forms of the arts, including an accomplishment in playing many instruments and a natural endowment as a dancer. All of these many attainments led him to a life in the theatre, and into composing opera that helped the need for Paris to ‘import’ such staged performances from Italian composers. His output extended to fifteen works written over the period 1618 to 1673, the libretti for almost all of them ending in tragedy, Atys, from 1676 being among the most tragic. With the encouragement of Louis XIV, Lully here looked for his inspiration to the world of mythology that surrounded the goddess, Cybele, and the days of the handsome Atys who had renounced love on the pain of death, The libretto that Lully received from Philippe Quinault resulted in a lengthy Prologue and Five acts extending to over three hours, the story revolving around Sangaride who had already fallen in love with Atys, despite her father’s pledge of marriage to King Celenus. The arrival of Cybele, who is also to fall in love with Artys at first sight, and the scene is set for tragedy. It was a story that gave the opera a chequered life, audiences not always kindly disposed to the content, the nineteenth century eventually ignored it. We now come its most recent revival and the present production from Jean-Marie Villegier, first staged at the Paris Opera Comique in 2011. Taking as its basis, the costumes and setting that replicates the court of Louis XIV, it, offers a period spectacular that has received unqualified praise, the production now released on Naxos. The role of Atys is physically as well as vocally taxing, but is here superbly realised by the German tenor, Bernard Richter, while the French soprano, Emmanuelle De Negri, is an excellent Sangaride, with the creamy voice of the mezzo, Stephanie D’Oustrac, as Cybele completing the love triangle. The cast list is large, and with the Compagnie Fetes Galantes providing the dancers, the stage is at times totally filled. The reviews that followed were suitably euphoric regarding the casting, and equally of the presence of the period instrument orchestra, Les Arts Florrissants, with the idiomatic conducting of William Christie. The 2011 filming was immaculate in its ideal mix of full stage and close-up images, while the sound quality is gorgeous. The release comes on one Blu-ray disc, that I have reviewed, and is also on two standard DVD’s (2.110694-95). © 2021 David’s Review Corner

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…Mr. Christie let his audience members enter a place they had previously been able to perceive dimly, if at all. He invited them, once more, into a room with a beauty that was unforgettable. © 2011 The New York Times Read complete review

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Atys de Lully à l’Opéra-Comique en 2011 sur DVD ? Une reprise sous forme de conte de fée…

L’histoire est presque trop belle pour être vraie, et pourtant… Le philanthrope et mécène Ronald Stanton (1928-2016), qui a dû fuir l’Allemagne nazie avec sa mère en 1937 en raison de son origine juive, a trouvé accueil aux Etats-Unis, où il a fondé en 1965 une société de négoce et de distribution, la Transammonia, devenue l’une des entreprises privées les plus prospères de New York. Cet homme cultivé et généreux, de passage à Paris en janvier 1987, assiste avec son épouse à une représentation d’Atys de Lully à l’Opéra-Comique, sous la direction de William Christie, dans le cadre de la célébration du tricentenaire de la disparition du compositeur louis-quatorzien, production qui a suivi la création au Teatro Comunale de Florence en 1986. Pour Stanton, c’est un véritable coup de foudre. Repris en province (Caen, Bordeaux, Versailles), le spectacle est programmé à New York, à la Brooklyn Academy of Music (BAM) en 1989, puis en 1992 ; il ira même jusqu’au Brésil. Le spectacle a tellement fasciné Stanton que son souvenir le poursuit : pour ses quatre-vingts ans et dans le cadre des cent cinquante ans des festivités du BAM, le mécène propose de remonter le spectacle à l’Opéra-Comique et de le financer entièrement. C’est chose faite en mai 2011 ; les caméras sont présentes, les 19 et 21, pour fixer un moment historique, alors que l’écho des représentations de 1987 n’avait fait l’objet que d’un enregistrement studio en un coffret de 3 CD chez Harmonia Mundi, demeuré la référence discographique de l’œuvre. Pour cette reprise inespérée, l’équipe Jean-Marie Villégier, metteur en scène, et William Christie, à la tête des Arts Florissants, a été maintenue, les décors ont été reconstitués, ainsi que les costumes. En toute logique, les effectifs ont changé, à l’exception de Nicolas Rivenq (Célénus) et de Bernard Deletré (Le Temps/Le Fleuve Sangor). Le résultat ? Somptueux, à tous points de vue : émerveillement vocal, orchestral et visuel garanti.

Créé à Saint-Germain-en-Laye le 5 (ou le 10, les avis divergent) janvier 1677, Atys est le quatrième opéra dû à la collaboration entre Lully et l’auteur dramatique Philippe Quinault (1635-1688). Il va plaire énormément à Louis XIV qui ne manquera pas de s’approprier la fameuse scène du sommeil du héros à l’Acte III et la chantera lui-même à l’une ou l’autre occasion. Le succès est au rendez-vous, l’œuvre est surnommée « l’opéra du roi », et des reprises vont avoir lieu à Paris et dans bien d’autres lieux, Bruxelles y compris, jusqu’au milieu du XVIIIe siècle. Il faut dire que le poète Quinault est ici particulièrement inspiré : son livret est bien écrit, l’intrigue est menée avec un art consommé vers son issue fatale, la double mort de Sangaride et d’Atys, signant ainsi la seule tragédie lyrique du duo formé avec Lully. On lira dans la notice d’Agnès Terrier la somme des moyens mis par le souverain à la disposition du compositeur pour les décors (de Carlo Vigarani), les costumes et la chorégraphie. Quant à l’action, très bien racontée dans la même notice à laquelle on se référera, elle s’inspire d’Ovide et raconte, après un prologue/hommage du Temps et des Heures au Roi Soleil, l’idylle d’Atys avec Sangaride, destinée au roi Célénus, alors qu’elle est éprise du jeune favori du souverain. Le roi se confie à ce dernier en exprimant ses craintes de ne pas être aimé de Sangaride. L’intervention de la déesse Cybèle vient compliquer la situation car elle éprouve une passion dévorante pour Atys, qu’elle veut désigner comme son grand prêtre-sacrificateur. Après bien des péripéties, dont un songe au cours duquel Atys reçoit le conseil de se soumettre aux vœux de Cybèle, Atys résiste et enlève Sangaride. Par l’intermédiaire d’un dieu infernal, la déesse le soumet à un envoûtement. Confondant Sangaride avec un monstre, Atys la tue puis, la raison revenue, se suicide. Cybèle le transformera en un arbre sacré, un pin.

Sur cette trame, Lully a composé une musique particulièrement séduisante, entre séances de danses festives et dramatisation qui combine les moments de lyrisme amoureux avec les atmosphères de souffrance, le tout convergeant vers les deux sommets que sont la séquence du sommeil citée plus avant, et un final intensément tragique. Les airs s’enchaînent avec une vérité permanente : airs en solo, duos, trios, quatuors, avec en ponctuation des chœurs qui viennent donner de la majesté à l’action. Difficile de résister à une telle partition, d’une force irrésistible et d’une beauté de timbres et de couleurs qui en renforcent la dynamique. Les trois heures passent sans que l’on s’en rende compte, entre empathie pour les amours contrariées, consternation devant les turpitudes provoquées par la jalousie, et réel accablement devant la mort cruelle de Sangaride, puis d’Atys. On ne peut que participer avec une émotion non contenue à cet absolu chef-d’œuvre.

Le spectacle est lui aussi un chef-d’œuvre de théâtralité musicale. Il est conçu dans un décor unique qui est celui de la vaste salle d’un château, avec des murs aux couleurs chaudes, un lieu où les déplacements se font avec facilité. La mise en scène de Jean-Marie Villégier, auquel est associé Christophe Galland, adopte le principe de la grandeur au sein de laquelle une simplicité émerveillée, non sophistiquée, coule de source. La scénographie de Carlo Tommasi, les costumes somptueux de Patrice Cauchetier, qui plongent le spectateur dans un XVIIe siècle idéal(isé), les lumières claires et rayonnantes de Patrick Méeüs, tout concourt à la magie et au bonheur ressenti, complété par une chorégraphie subtilement emballante. La Compagnie Fêtes Galantes et le brillant danseur Gil Isoart de l’Opéra National de Paris, en pleine forme, en jettent plein les yeux.

Le plateau vocal est un régal. Dans le rôle-titre, le ténor suisse Bernard Richter, port altier, voix au timbre sonore, claire et capable d’inflexions aussi vaillantes que douces, est impeccable ; il n’oublie pas, ce qui est à son honneur, de flatter les mots de Quinault dont il a saisi la qualité. L’émotion est présente dans la scène du sommeil de l’acte III, où sept musiciens, eux aussi en costumes d’époque, rejoignent sur scène les divinités du Sommeil et les Songes pour persuader Atys de céder à Cybèle. Ce moment est des plus accomplis sur le plan lyrico-poétique. Le registre de Richter se révèle déchirant dans la scène finale lorsqu’il se révolte contre le sort tragique. A ses côtés, la soprano Emmanuelle De Negri est touchante dans son rôle de victime de la jalousie dévastatrice de Cybèle, qu’incarne la mezzo Stéphanie d’Oustrac avec maestria, une noblesse méchamment hautaine et un chant d’une pleine beauté. Tout le reste de la distribution est impeccable, il faudrait citer un par un chaque protagoniste pour sa prestation. On soulignera le fait qu’une série de petits rôles ont été confiés opportunément à des solistes du Jardin des Voix, l’académie des jeunes chanteurs des Arts Florissants. Quant à l’orchestre et au maître de cérémonie qu’est William Christie, de quels qualificatifs faut-il les honorer ? On peut imaginer que Ronald Stanton a dû baigner dans le bonheur en entendant cette adéquation parfaite entre les instrumentistes, les voix de haut niveau et une direction d’un dynamisme inspiré au plus haut degré.

Dans ce concert de louanges dont on ne se lasse pas, il faut cependant préciser que ce double DVD Naxos est la réédition d’un autre, paru dès 2011 chez Fra Musica (EDV 1610-FRA 006). La présentation de ce dernier était plus élégante, avec des photographies en couleurs, dont certaines ne sont reproduites qu’en noir et blanc chez Naxos. La réalisation filmée de François Roussillon est digne de la représentation scénique, avec des vues d’ensemble réussies et des gros plans de qualité, mais la définition de l’image nous parait légèrement supérieure chez Fra Musica. Ce label ajoutait par ailleurs au spectacle un bonus de cent minutes (oui, cent !) qui consistait en « cinq visions d’Atys », avec huit interventions très intéressantes et éclairantes, dont celles de William Christie, Jean-Marie Villégier et Patrice Cauchetier. Pas la moindre trace de ces précieux compléments chez Naxos, hélas, ce qui est des plus frustrants quand on connaît la valeur de ce bonus. Ceux qui possèdent le double DVD Fra Musica le conserveront précieusement. Si ce n’est pas le cas, la réédition Naxos de ce spectacle de si haut niveau est de toute façon à ne pas rater. Mais l’absence du bonus la prive d’un Joker. © 2021 Crescendo

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LULLYS “ATYS” UND MONDONVILLES “TITAN ET AURORE” BEI NAXOS

BAROCKES AUS PARIS

Zwei französische Barockopern, beide aufgenommen in der Pariser Opéra Comique, bringt NAXOS auf DVD heraus. In beiden Live-Aufführungen musiziert das renommierte Ensemble Les Arts Florissants unter Leitung von William Christie. Erstere Produktion—Jean-Baptiste Lullys fünfaktiger Atys—stammt bereits aus dem Jahre 2011 und markiert die Wiederaufnahme der Kreation von 1987 (2.110694-95, 2 DVDs).

Das Libretto von Philippe Quinault führt nach Phrygien in mythischer Zeit. Atys, Günstling des Königs Célénus, wird von dessen Verlobter Sangaride geliebt. Auch die Göttin Cybèle begehrt und ernennt ihn zum Oberpriester. Als sie von seiner Verbindung mit Sangaride erfährt, verwirrt sie ihm die Sinne, so dass er Sangaride für ein Monster hält und sie ersticht. Als er seinen Irrtum bemerkt, tötet er sich selbst.

Regisseur Jean-Marie Villégier hat die Tragédie en musique als barockes Spektakel inszeniert. Françine Lancelot und Béatrice Massin steuerten die Choreografie im höfischen Stil bei, welche die Compagnie Fêtes Galantes mit stilistischer Sachkenntnis umsetzt. Alles wird geadelt von der opulenten Ausstattung—Jean-Marie Villégiers Bühne mit ihren Prospektmalereien und prunkvollen Interieurs sowie Patrice Cauchetiers historischen Kostümen mit ihren kostbaren Stoffen und Dekors.

William Christie breitet mit dem Orchester die Ouverture in ihrem gravitätischen Duktus in aller Pracht aus, später differenziert er angemessen zwischen rhythmischer Verve, majestätischem Pomp und getragenen Passagen. Der Tenor Bernard Richter ist als Titelheld ein barocker Beau. Und schon in seinem Auftritt, „Allons, allons“, lässt er eine wohllautende Stimme und idiomatische Diktion hören. Im 3. Akt hat er einige Soli („Nous pouvons nous flatter“), in denen er mit besonders schmeichelnden Tönen aufwartet. Die Sopranistin Emmanuelle de Negri verleiht der Sangardide stimmlichen und optischen Liebreiz. Mit „Venez tous dans mon Temple“ hat Stéphanie d’Oustrac am Ende des 1. Aktes einen autoritären Auftritt als Göttin Cybèle in schwarzer Robe und silbernem Strahlenkranz als Kopfputz. Der Mezzo der Sängerin tönt streng und herrscherlich, bewegt sich aber kompetent in barocken Bahnen. Nach Atys’ Selbstmord hat sie eine tragische Schluss-Szene („Venez, furieux Corybantes“) im deklamatorischen Stil, in der sie Atys in einen heiligen, immergrünen Pinienzweig verwandelt. Eine ausgedehnte Szene im 3. Akt hat der im barocken Repertoire erfahrene Tenor Paul Agnew als Dieu de Sommeil. Von Musikanten auf der Bühne begleitet, singt er sein „Dormons, dormons tous“ mit schwebenden Tönen und zärtlicher Empfindung. Der Solotänzer Gil Isoart von der Opéra national de Paris krönt die Szene mit seinem aristokratischen Tanz. Auch das Finale, die Première entrée des Corybantes, wird neben dem Chor dominiert von den Tänzern zu stürmischen Klängen der Musik. © 2022 Opera Lounge

LULLY, J.-B.: Atys [Opera] (Opéra Comique, 2011) (NTSC) 2.110694-95
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Ätherisch schöne Musik und herrliche Kostüme – eine Freude für Aug und Ohr

Die Aufzeichnung dieser Aufführung stammt bereits aus dem Jahr 2011, aber in ihrer konsequenten Ästhetik ist sie zeitlos. Das Werk nimmt im Schaffen Lullys, aber auch in der französischen Barockoper insgesamt eine besondere Stellung ein. Der Komponist schuf damit eine praktisch neue Gattung, die tragédie lyrique. Den Anstoß dazu soll sogar der König Ludwig XIV. selbst gegeben haben, der als äußerst musikalisch galt und Lully als seinen Hofkomponisten verpflichtet hatte.

Tatsächlich ist Atys eine aus dem bisherigen Rahmen fallende Oper. Die Uraufführung fand am 10. Januar 1676 im Schloss Saint-Germain-en-Laye in Anwesenheit und zu großer Zufriedenheit des Königs statt. Spätestens im 19. Jahrhundert geriet Lully und mit ihm dieses Werk in Vergessenheit, erst ab den 1970er Jahren setzte eine Renaissance seiner Werke ein, speziell die Musteraufführung von Atys, die hier zu erleben ist, machte Furore.

William Christie und sein Klangkörper Les Arts Florissants widmen sich dieser Musik hingebungsvoll und kompetent. Anfangs wartet man etwas irritiert auf die gewohnte Struktur, nämlich Rezitativ und Arie, aber diese Trennung ist in dem Werk aufgehoben. Der musikalische Fluss wird nicht unterbrochen, damit nimmt Lully beinahe schon die durchkomponierte Oper des 19. Jahrhunderts vorweg.

Christie steht für die Aufführung ein exquisites Sänger-Ensemble zur Verfügung. Der Tenor Bernard Richter singt sich buchstäblich die Seele aus dem Leib, sein schlanker, technisch gut geführter Tenor zeigt auch am Ende der dreistündigen Aufführung noch keine Ermüdungserscheinungen. Ihm ebenbürtig der schöne, lyrische Sopran von Emmanuelle de Negri, die als seine verhinderte Geliebte Sangaride wunderschöne Kantilenen hören lässt. Der zürnenden Göttin Cybèle verleiht Stéphanie d’Oustrac mit schlankem, äußerst flexiblem Mezzosopran das geforderte Gewicht. Bis in die kleinsten Rollen ist das Ensemble vorzüglich besetzt.

Eine Besonderheit dieser Aufführung ist ihre opulente Ästhetik. Offenbar hat man versucht, den Stil der Uraufführung so weit wie möglich zu rekonstruieren. Das bedeutet, dass Bühnenbild, Kostüme, ja sogar die Choreographie uns auf eine Zeitreise in das 17. Jahrhundert schicken. Es gelingt tatsächlich, den Zauber dieser höfischen Aufführung neu erstehen zu lassen. Höhepunkt ist die Schlummermusik in der Traumszene des dritten Aktes. Hier verbinden sich ätherisch schöne Musik mit prachtvollen Kostümen, einer raffinierten Choreographie und schaffen so etwas wie ein Gesamtkunstwerk. Ein Labsal für von zeitgenössischen Operninszenierungen frustrierte Liebhaber dieser Kunst. Ein Vergnügen für Auge und Ohr in jedem Fall. © 2021 Klassik begeistert

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Luis XIV fue el impulsor junto a Molière y Jean Baptiste Lully de las comédie-ballet en las que el rey intervenía como danzante. Pero en 1675 Luis XIV era un rey maduro que se encontraba en el interludio de dos campañas de la Guerra de Holanda y que había dejado de bailar. Así es que para su estancia con la corte en Saint-Germaine-en-Laye, Lully preparó, junto al libretista Philippe Quinault, la primera tragédie en musique basándose en textos de Ovidio. Con un mayor peso dramático que las producciones anteriores de Lully, Atys se convirtió en la ópera favorita del rey.

En 1986, la feliz conjunción de Massimo Bogianckino, director de la ópera de París, el escenógrafo Jean-Marie Villégier y William Christie dio lugar a primera representación en tiempos modernos de Atys y a una memorable gira internacional. En 2011, Les Arts Florissants revivieron y grabaron aquella première de los ochenta con una escenografía ambientada en el XVII y con una minuciosa reconstrucción de las coreografías de los ballets con la Compagnie Fêtes Galantes. La espléndida y estilizada escenografía de la época de Villégier consigue dos objetivos: llevar el criterio historicista también a los elementos escenográficos (por qué no) y eliminar las interferencias, distorsiones y distracciones que en ocasiones causa la escenografía moderna de lo fundamental, la brillantísima interpretación de elenco vocal, del coro de Le Jardin des Voix y de Les Arts Florissants. Una joya que todo amante de la ópera barroca debe tener. © 2022 Ritmo